FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL: http://www.arrakis.es/~aarias
“Cádiz, salada claridad... Granada
agua oculta que llora.
Romana y mora. Córdoba callada.
Málaga, cantaora.
Almería dorada...
Plateado Jaén... Huelva: la orilla
de las Tres Carabelas.
Y Sevilla.
Manuel Machado.
HOMENAJE DE FORO LIBRE A MANUEL MACHADO
El próximo lunes, día 7, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta andaluz Manuel Machado (1874-1947), con motivo del 61º aniversario de su fallecimiento.
En la creación del poeta Manuel Machado hay dos temas vitales, presentes de principio a fin y estrechamente conectados: el amor y la muerte, dos corrientes que vienen a juntarse en las aguas de un solo río: el de la vida. A Machado se le relaciona con harta frecuencia con el amor, o mejor dicho, con el amorío. Sin embargo, junto al tema amoroso, Machado ha hecho también de la muerte asunto importante de su poesía. “Poeta de la muerte”, lo llama Gerardo Diego. Y Dámaso Alonso nos dijo que “expresó la gravedad por medio de la ligereza”.
Manuel publica su primer libro Tristes y alegres, en 1894. Posteriormente publica Etcétera, Alma, Caprichos, La fiesta nacional, Museo y Cantares, Trofeos, Poesías escogidas, Cante hondo, Sevilla y otros poemas. En colaboración con su hermano Antonio escribió diversas piezas teatrales, entre las que Julianillo Valcárcel y La Lola se va a los puertos, revelan una temática grata a Manuel.
Enmarcado en la generación del 98 unas veces y en el modernismo otras, su andalucismo surge en toda su obra lírica con tal personalidad y gracia, que le sitúa aparte de los poetas coetáneos que con él compartieron el movimiento renovador de fines y principios de siglo. La guerra civil divide por ideología y por situación geográfica a los dos hermanos, situados cada uno en un bando. La separación de los Machado encarna la tragedia de la guerra española.
No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.
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Gracias.
SAN ISIDORO DE SEVILLA
(h.560-636)
“Estudiad como si fuerais a vivir siempre,
vivid como si fuerais a morir mañana.”
San Isidoro de Sevilla.
LA VOZ DEL MAESTRO DE LA EDAD MEDIA
San Isidoro es la figura más destacada de la España visigoda y una de las fundamentales en la historia general de la cultura hispánica. Continuador de la empresa iniciada por su hermano y maestro con la Escuela de Sevilla o isidoriana, de la que fueron continuadores san Braulio, san Ildefonso y Tajón, ejerció además notorio influjo en otros reinos cristianos. Su fiesta se celebra en España el 26 de abril.
San Isidoro de Sevilla, obispo hispano y doctor de la Iglesia, nació hacia el año 560, desconociéndose el lugar real de nacimiento, y falleció en Sevilla el 4 de abril de 636. Su hermano san Leandro, arzobispo de Sevilla, dirigió su educación en la escuela catedralicia por él fundada, donde se enseñaba el trivium (tres de las siete artes liberales, comprendía: gramática, retórica y dialéctica) y el quadrivium (comprende: aritmética, geometría, música y astronomía), y llegó a destacarse tan cumplidamente, que al morir aquel le sucedió en el episcopado. Fue arzobispo de Sevilla (599), cargo que ocupó hasta su muerte. Hermanos suyos, además de san Leandro, fueron san Fulgencio y santa Florentina. Gran conocedor de las culturas bíblica y grecolatina, dedicó toda su vida al estudio y a la enseñanza. San Isidoro es una figura señera en la historia medieval, pues su vida se desenvuelve en un momento crítico: cuando el mundo romano desaparece y, con la inyección del elemento germano, surgen nuevas nacionalidades. Valiéndose de los recursos de la religión y la educación, se dio, pues a la empresa de acabar de desarraigar el arrianismo, robusteció la disciplina eclesiástica y presidió el segundo Concilio de Sevilla (619) y el cuarto de Toledo (636). No obstante tan importante obra, el mayor mérito del santo radica en sus escritos, numerosos y de variadísimos temas, entre los que alcanzan preponderante valor los históricos, filosóficos, teológicos y enciclopédicos.
En su obra Synonyma, de lamentatione anime peccatricis, se muestra profundo poeta lleno de misticismo; sus ideas filosóficas se encuentran expuestas, principalmente en los Libri Sententiarum y en las Etimologías; el Liber de viris illustribus es altamente interesante como repertorio de personajes de la época y el Chronicon y la Historia de regibus gothorum, wandalorum et suevorum, sus obras históricas más notables.
Mas ninguna de las obras del sabio arzobispo es tan representativo como Originum sive etymologiaum libri XX, denominada vulgarmente Etimologías, resumen admirable dela cultura clásica, fruto de vastísima y fecunda asimilación, que se convirtió en indispensable en toda biblioteca de la Edad Media. Las Etimologías, se convirtieron en el texto pedagógico más importante de su época. Los libros I y II están dedicados al Trivium; el III, al Quadrivium; el IV, a Medicina; el V, a Derecho y Cronología; VI, VII, y VIII, a Teología y Cánones; el IX, a Política y Sociología; el X, a Lexicología; XI y XII, a Zoología; XIII y XIV, a Geografía; XV, a Arquitectura y Agrimensura; XVI, a Mineralogía; XVII, a Agricultura; XVIII, a Milicia; XIX, a Marina, y XX, a Artes Manuales.
El arzobispo de Sevilla fue canonizado en 1598 y el Papa Inocencio XIII, en 1722, lo declaró doctor de la Iglesia. Y como dijo el sabio de Sevilla: “Perdona para que se te perdone, olvida para que se te olvide”.
Francisco Arias Solis
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¡Necesitamos vivir en paz!
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Gracias
GIACOMO LEOPARDI
(1789-1837)
“Para siempre reposa;
basta de palpitar. No existe cosa
digna de tus latidos; ni la tierra
un suspiro merece: afán y tedio
es la vida, no más, y fango el mundo.”
Giacomo Leopardi.
LA VOZ HARTO SEDIENTA DE AMOR
Leopardi es uno de los mayores y más célebres poetas del siglo XIX. Los que todo quieren explicarlo con precisión matemática en nombre de una Ciencia de las que ellos mismos se proclaman únicos e indiscutibles representantes, han cogido por su cuenta al pobre Leopardi, declarándole degenerado y aun loco, porque a sus teorías convenía que por tales pasaran todos los genios. Se ha dicho también, con harta ligereza, que Leopardi acabó con el clasicismo y afirmó el triunfo del romanticismo pero concediendo que tal hiciera y no fuese, como realmente fue, un independiente, se ve a cada paso que, si es romántico, lo es en el fondo, aunque en la forma nadie posea tan bien como él la pura esencia de lo clásico, que no consiste en academizar la poesía, sino en saberle dar la ingenua libertad de la vida antigua.
Leopardi es triste, es pesimista, no siempre porque su malísima salud, su constitución débil de neurótico y giboso, le inclinen naturalmente a ello, sino porque su naturaleza es harto fina, harto sedienta de amor, de felicidad y de belleza, para que en el obligado roce con las impurezas de la realidad no padezca horriblemente.
Leopardi fue gran poeta y gran prosista. No fue uno de esos autores fecundísimos que aciertan sólo de vez en cuando: todas sus poesías caben en un breve volumen, pero casi todas son famosas. En prosa, le basta escribir unos sencillos Diálogos al estilo de Luciano, o el Elogio de los pájaros, o El cántico del gallo silvestre, por ejemplo, para demostrar que sigue siendo un maestro.
Giacomo Leopardi nació en Recanati el 29 de junio de 1798 y falleció en Nápoles el 14 de junio de 1837, a los treinta y nueve años de edad, aceptando la muerte como un bien, según su propia inclinación y los consejos de un amigo íntimo el escritor Pietro Giordani, ya viejo entonces, y siempre fervorísimo admirador suyo, hasta ser, después, uno de sus editores. Hijo del conde Monaldo, Leopardi fue educado en su propia casa por un jesuita mexicano, el Padre José Torres, y por un maestro italiano, teniendo a su disposición una buena biblioteca que poseía el conde y franqueaba con gusto a su familia y amigos, muy pronto, a los catorce años de edad, dijeron ya sus maestros que nada más podían enseñarle: todo lo sabía a la perfección. Entre otras cosas habían hecho de él un buen latinista, pero su precocísimo talento quiso ir más allá y, sin maestro alguno, aprendió solo el griego, y en plena adolescencia maravilló a cuantos le conocieron, manifestándose consumado helenista y perfecto filólogo. Sin duda que al abuso en el estudio en tan temprana edad, a lo delicado de su constitución, a la hiperestesia de su sensibilidad y a la tristeza y monotonía del medio en que fue desarrollándose, siempre pegado al estudio, es de suponer que fueran debidos el persistente mal estado de su salud, la desviación dorsal que padeció, el cansancio de su vista y de su cuerpo todo y aquella melancolía y pesimismo desesperado que fueron el tormento de su vida, al propio tiempo que el más visible y característico sello de su poesía. Leopardi vivió en Milán, Bolonia, Florencia y Pisa, ciudades en las que entró en contacto con los principales círculos literarios de la época.
Su obra refleja pesimismo, melancolía y escepticismo, contenidos, sin embargo, por el pudor y un estilo expresivo de corte clásico. Supo analizar la pasión desgarrada y las sensaciones más recónditas del individuo y convertirlas en universales. Auténtico polígrafo, escribió tratados eruditos, crítica literaria, realizó traducciones y destacó, sobre todo, por sus composiciones poéticas, que le han merecido ser considerado uno de los máximos representantes de la lírica italiana. Sus Opúsculos morales (1827) recogen una serie de poemas meditativos, de excepcional musicalidad y nítida expresión, a través de los cuales analiza los grandes problemas que se le plantean al ser humano. Leopardi fue un impecable artista de la forma como demuestran sus más célebres y logradas composiciones, recopiladas en Cantos, y publicadas escalonadamente en 1831, 1835 y póstumamente en 1845. Entre sus principales poemas se incluyen: A Italia, Al pie del monumento de Dante, El Risorgimento, A Silvia, Recuerdos, El gorrión solitario, La calma después de la tempestad, El sábado del pueblo, Canto nocturno de un pastor errante de Asia, así como las cinco poesías producto del desafortunado amor por Fanny Targioni Tozzetti (El pensamiento dominante, Amor y muerte, Consalvo, A sí mismo y Aspasia) y sus últimas poesías, La retama, sobre el poder destructor de la naturaleza, y El ocaso de la luna. Fue autor además de Zibaldone (su diario de 1817 a 1832) y de un importante Epistolario (1849) póstumo. Y como dijo el gran poeta italiano: “Hermanos a la vez creó la suerte / al amor y a la muerte. / Otras cosas tan bellas / en el mundo no habrá ni en las estrellas”.
Francisco Arias Solis
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Paz y libertad.
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FORO LIBRE
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ULTIMADA LA PROGRAMACION
DEL SEGUNDO SEMESTRE DE 2008
“Íbamos adelante,
sintiendo en nuestra piel el son oscuro,
la voz espesa de la muerte.”
Pascual Pla y Beltrán.
VEINTE ENCUENTROS LITERARIOS
Y DOS FESTIVALES POETICOS
La programación del segundo semestre del año 2008 de la Asociación Cultural, Artística y Literaria Foro Libre incluye veinte encuentros literarios y dos festivales poéticos, siendo la entidad andaluza que cuenta en su programación para dicho periodo con un mayor número de actos literarios.
Los encuentros literarios estarán dedicados a los siguientes personajes y motivos: Manuel Machado, Última barricada del mayo francés, Carmen Martín Gaite, Concha Méndez, Mallarmé, Celestino Mutis, Ángela Grassi, Nicolás Salmerón, Miguel de Unamuno, Benjamín Jarnés, Francisco Giner de los Ríos, Pío Baroja, George Eliot, Apollinaire, Pascual Pla y Beltrán, Emilio Ballagas, Tomás Moro, Constitución de 1978, José Nogales y Salvador de Madariaga.
En octubre se celebrará el X Festival de Poesía y Cante Jondo dedicado a Manuel de Falla, y en el mes de diciembre tendrá lugar el XVI Recital de Poemas Navideños y Villancicos.
Los encuentros literarios de Foro Libre se celebran los lunes a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21). La entrada es libre y todos los asistentes pueden participar con plena libertad en los distintos encuentros.
XVI ANIVERSARIO DE FORO LIBRE (1992-2008)
Paz y Libertad.
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FORO LIBRE
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“Pido
la paz y la palabra.”
Blas de Otero.
HOMENAJE DE FORO LIBRE A BLAS DE OTERO
El próximo lunes, día 30, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta vasco Blas de Otero (1916-1979), con motivo del 29 º aniversario de su fallecimiento.
Perteneciente a la primera generación de posguerra, su obra supone una síntesis entre ética y estética. Sus poemas denotan una clara preocupación por la existencial, sobre todo a partir de una determinado momento, en el que la agónica religiosidad del individuo se mezcla con una postura temporalista a favor de la inmensa mayoría.
Pido la paz y la palabra marca la entrega apasionada de Otero a la causa social. Libro importante, no ya en la poesía de Otero sino en la poesía española porque curiosamente es el Otero más conocido del público. Otero toma partido por el pueblo, lo quiere dinamizar, y por eso usará su poesía, su palabra. Pide la paz y pide la palabra. Otero pide la palabra para la paz y para la acción. La acción de la palabra, la acción por la palabra orientará la existencia del poeta.
De Blas de Otero nos han quedado unos estremecedores sonetos atravesados de furia, de ternura, de delicadeza. Su arraigo quevedesco lo sitúa entre los poetas que dejan huellas y un sabor a clásico. El libro de Blas de Otero Todos mis sonetos, publicado dos años antes de su muerte, reúne más de un centenar de sonetos.
Entre sus obras destacan: Cántico espiritual (1942), Ángel fieramente humano (1950) y Redoble de conciencia (1951), las dos últimas reunidas posteriormente en el volumen Ancla (1958), Pido la paz y la palabra (1955), En castellano (1960), Expresión y reunión (1969), Mientras (1970), Historias fingidas y verdaderas (1970 y 1980), País (1972) y Poesía con nombres (1977). Póstumamente se publicó Correspondencia (1987).
No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.
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Gracias.
GIOVANNI BOCCACCIO
(1313-1375)
“Así, pues mi patria fue Certaldo, y mi culto la divina poesía.
¡Ah, que yo pueda por medio de la venerable persona de Petrarca
llegar a vencer las miserias de la fortuna, las angustias del amor
y a despojarme de toda vulgaridad! Yo, que me considero un miserable,
un inerme e inerte, duro e informe conjunto. “
Giovanni Boccaccio.
LA VOZ DEL MODERNO ARTE DE NOVELAR
Boccaccio compone junto a Dante y Petrarca la tríada de autores cuatrocentistas que configuraron la lengua literaria italiana y, a la larga, el italiano como idioma nacional de la Península. En cuanto a la influencia de Boccaccio en España cree Menéndez y Pelayo “que ningún autor italiano, ni el mismo Dante, ni el mismo Petrarca tuvo en España más lectores y admiradores que Boccaccio durante el siglo XV. La mayor parte de sus obras latinas y vulgares pasaron a la lengua castellana, y algunas también a la catalana”. Alcanzó su gloria definitiva con el Decamerón que es “la primera obra en que la prosa italiana se eleva a una verdadera y bella forma artística, y además sienta los cimientos del moderno arte de novelar, por los vivos que resultan sus personajes y la maravillosa precisión y claridad con que se desarrolla la marcha de la acción, por la facilidad con que da a conocer los hechos con todos sus mínimos pormenores. Ni a un lado ni a otro de los Alpes hay escritor contemporáneo suyo que haya logrado escribir como él”, ha dicho Bonghi, y de genio y maestro de novelistas le han calificados los mayores críticos. Lo que habían realizado Dante y Petrarca en la poesía, lo logro el Decamerón en la prosa. En esta obra se hallan cualidades literarias excelentes, aprendidas en el asiduo manejo de los clásicos de la antigüedad, y como clásica, también, quedó consagrada una obra que posee la atracción de las grandes y famosas meretrices de otros tiempos.
Giovanni Boccaccio nació en Certaldo, Florencia, en 1313. Hijo natural de un comerciante de Certaldo y de una dama francesa residente en París. Vivió alternativamente en Florencia y Nápoles, ciudad esta última que tendrá una gran importancia en su vida y obra, pues en ella se supone que conoció a la mujer que luego inmortalizaría con el nombre de Fiammetta, que es posible que fuese la princesa María, condesa de Aquino, hija natural del rey de Nápoles, Roberto de Anjou, gran admirador y protector de Petrarca. La princesa María, casada con un gentilhombre de gran fortuna, era bella, procaz, de ingenio agudo, y tenía en su casa, según costumbre de la época, corte de amor, por ella presidida, como podría presidirse hoy una academia. Se murmuraba que las relaciones existentes entre ella y Boccaccio eran más que puramente amistosas, y que constituían la base del argumento de Fiammetta, especie de confesión de la dama, modificada en lo más esencial del desenlace: en que fue ella quien plantó a Boccaccio, y no éste a ella. Boccaccio Fue gran amigo de Petrarca, frecuentó la corte del rey Roberto de Nápoles y desempeñó importantes misiones diplomáticas. Fue, además, el primer comentador de Dante, dejando escrita una Vida de Dante, algo novelada, por lo que no puede ser seguida en todo al pie de la letra. Giovanni Boccaccio murió en Florencia el 21 de diciembre de 1375.
El Decamerón, terminado en el año 1353, es una serie de narraciones puestas en boca de tres gentiles hombres y siete damas; jóvenes todos, que durante la terrible peste que azotó a Florencia en 1348 se reunieron en el campo, para escapar al contagio y distraerse de las preocupaciones naturales en tales momentos. Cada uno de ellos cuenta una historieta o novelita diaria, por turno, durante diez días, lo que da por resultado una colección de cien cuentos. De los diez turnos de las diez personas viene el nombre de Decamerón. La Comedia humana por contraste con La Divina Comedia, y realmente es un espejo, quizá algo deformador, a veces, de la vida diaria en el siglo XV. La temática y el tono de los cuentos son muy variados, aunque abundan los de contenido erótico desenfadado, que son para muchos los más conocidos y representativos del autor, pero también encontramos otros de tintes trágicos o dramáticos. En todos ellos aparece una amplísima gama de tipos sociales de la época, por lo que también puede verse bajo la óptica de una crítica social a su tiempo; es constante el enfrentamiento entre la idea de fortuna y la astucia e inteligencia humanas, lo que, debido a la habilidad del autor, origina una narración rica, ágil y apasionante. Al mismo tiempo, es ya plenamente renacentista al dejar de lado los aspectos religiosos y teológicos y centrarse en la realidad humana.
Otras obras de Boccaccio son: Ameto (1341-1342), conocida también como La Comedia de las ninfas florentinas o Ninfale de Ameto, mezcla de prosa y verso, de figuras mitológicas y de alusiones harto libre a damas florentinas, Amorosa visión (1342) y Ninfale fiosolano (1343-1346), obras que dieron origen a la literatura pastoril del Renacimiento; Corbaccio o Laberinto de amor (1354-1355), intencionada sátira misógina imitada más tarde por Alfonso Martínez de Toledo, arcipreste de Talavera; Filocolo, versión de la historia de Flores y Blancaflor; Fiammetta, que se considera autobiográfica, supone quizá la primera novela psicológica europea; Filóstrato, con la historia de Troilo y Crecida por argumento; La Teseida donde intenta la epopeya de inspiración clásica. Es autor también de algunos sonetos y baladas y de numeroso tratados en latín, tales como, De claris mulierubus, De casibus vivorum illustrium, De genealogía deorum, etc.
Quizá sea Boccaccio, mucho más que otros autores de su siglo, quien encuentra hoy en día una mayor acogida en la literatura, en el arte y en los gustos de nuestro tiempo, a pesar de que, también hay que decirlo, esta presencia reposa, frecuentemente, sobre una consideración equívoca, o sea, sobre la elevación del autor del Decamerón a maestro simbólico de la narración escabrosa, licenciosa, basada en situaciones sensuales y burlescas. Pero, pocos saben que Boccaccio tenía lo que podríamos llamar un corazón de oro, que nos habló así: “Amo a la pobreza que ya está conmigo; y si estuviese de mí apartada pronto la podría encontrar en cualquier parte, sin tener que servir a ningún rey para haberla.... Y soy más dichoso con alguno de mis librotes que lo son los reyes con sus grandes coronas”.
Francisco Arias Solis
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DENIS DIDEROT
(1713-1785)
“Del fanatismo a la barbarie
sólo media un paso.”
Diderot.
LA VOZ DE UN ENCICLOPEDISTA REVOLUCIONARIO
El siglo XVIII francés es el siglo de Montesquie, de Voltaire, de Juan Jacabo Rousseau, de Bufón, de Diderot y otros de algo menor nombradía. Su característica es la de ser un demoledor del pasado, irreverente, incrédulo, revolucionario, en las esferas filosóficas, con obras como la Enciclopedia, diccionario dirigido por D’Alembert y Diderot, echando mano de toda suerte de materiales, y en las demás, ya con los hechos de sus hombres políticos, ya con la serie de obras de sus literatos.
D’Alembert era un gran geómetra que se encargó de escribir el prólogo de la famosa Encyclopédie, monumento hoy arruinado del cual se ha dicho que sólo queda en pie el peristilo, ese prólogo escrito con pureza de lenguaje, aunque sin el color y vida de los grandes escritores. D’Alembert se retiró pronto de la empresa, en la que según Sainte-Beuve, había entrado, sobre todo, por interés, ante los odios, ataques y persecuciones que suscitó; pero Diderot siguió al frente; sosteniéndola durante unos veintitrés años (1749-1772) y haciendo de ella el centro del movimiento filosófico del siglo XVIII. Ya en los primeros escritos, se había señalado Diderot por su inmoralidad, ateísmo y paradójicas ideas. Sus obras fueron quemadas públicamente y él encarcelado; pero su entusiasmo, su ardor en la defensa de aquellas ideas fueron inagotables. Sus cualidades son las de un escritor revolucionario en todo, que va promoviendo más iniciativas que nadie, hasta el punto de que algún crítico duda acerca de lo que realmente pensaba. Le perjudica como autor literario el no haber concentrado todo su talento en algunas obras maestras que pudieran honrar su nombre. Citan algunos como lo mejor que escribió Le Neveu de Rameau, capricho o fantasía filosófica, que él denomina sátira, en forma de diálogo, donde acumuló a la impudicia de un Petronio las más atrevidas paradojas, presentadas en ágil y descocado lenguaje. Diderot no supo nunca lo que es el pudor. Como crítico de arte, puede decirse que inauguró este género con sus celebrados Salons de 1765, 1766 y 1767. No pocas veces escribió obras para otros autores. Fue un improvisador y un bohemio. A pesar de sus continuos trabajos, hubiera muerto en la miseria si, al saber Catalina de Rusia que tenía que vender su biblioteca, no se la hubiera comprado, nombrándole a él mismo bibliotecario, con un sueldo de 1.000 francos, y pagándole ya de una vez cincuenta anualidades. Diderot fue a Rusia a darle las gracias; pero evitó la amistad con Federico de Prusia, que la deseaba.
Denis Diderot nace en Langres, Alto Marne, el 5 de octubre de 1713. A los diez años ingresó en el colegio de los jesuitas de su ciudad natal. En 1728 marcha a París para continuar sus estudios; obteniendo en 1732 el título de maestro en artes en la Sorbona, e iniciando una vida bohemia que alargaría por unos años. Conoce a la costurera Antoinette Champion, que no tarda en convertirse en su amante y con la cual se casa en 1743. Dos años mas tarde, inició una relación amorosa con Madame de Puisieux, y más tarde con Sophie Volland, con la que mantuvo un intercambio epistolar que constituye la parte más notable de su correspondencia. Fue elegido miembro de la Academia Francesa. Denis Diderot murió en París el 31 de julio de 1784.
Diderot es para muchos la más representativa figura de la Ilustración francesa. Fue un trabajador infatigable y un espíritu inquieto en el que se daban cita el cinismo, la ingenuidad, la más corrosiva capacidad de análisis y la más noble confianza en el porvenir de los seres humanos. Su obra es prueba de su compleja y poderosa personalidad, que, sin llegar a un sistema articulado de pensamiento, trató los más diversos temas con rasgos de genio indiscutible; se anticipó en ocasiones a Lamarck y Darwin.
Entre sus obras cabe destacar: Pensamientos filosóficos (1746), donde explica y afirma su filosofía deísta, Carta sobre los ciegos para uso de los que pueden ver (1749), donde con osadía habla de sus ideas materialistas, lo que le valió ser encarcelado durante un mes en Vincennes por “libertinaje intelectual”, recibiendo la visita de Rouseau en la cárcel, Pensamientos sobre la interpretación de la naturaleza (1757), y los dramas de interés histórico El padre de familia (1761) y El hijo natural (1771). Gran parte de sus escritos aparecieron póstumamente; así las novelas La religiosa (1796), una sátira contra las costumbres de las vocaciones forzadas, El sobrino de Rameau (1823, aunque su primera redacción data de 1761), su obra más conocida, donde trata de la naturaleza de la moral y la relación entre el genio y la sociedad, y en la que aparece como un precursor de la novela realista, pero con un realismo personal, y el célebre ensayo La paradoja del comediante (1830), en el que en forma de diálogo nos hace llegar sus reflexiones sobre el actor y el arte de interpretación. Y como dijo el enciclopedista revolucionario: “Es tan arriesgado creerlo todo como no creer nada”.
Francisco Arias Solis
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La fórmula salvadora es paz, libertad y justicia.
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EMILIO CARRERE
(1881-1947)
“¡Pobre manteo andrajoso
que sabe el drama angustioso
de mi amargo corazón!
¡Viejo tabardo glorioso
de Verlaine y de Villon!
Rota capa, compañera
de mi loca juventud;
tú, como insigne bandera,
has de cubrir mi ataúd...”
Emilio Carrere.
LA VOZ DEL CANTOR DE LA BOHEMIA MADRILEÑA
Emilio Carrere es el paradigma y portavoz de la bohemia literaria del siglo XX -la bohemia llegó a constituir para él un estilo de vida-, influyó muy decisivamente en un grupo muy nutrido de líricos hambrientos y soñadores de la gloria. Traductor de Verlaine (Poemas saturnianos) e imitador de su bohemia, convirtió la vida en literatura e hizo de su persona la figura del artista decadente, una estampa de época con chambergo y pipa; su bohemia tenía más de oropel que de realidad necesitada y auténtica. Cultivó la novela, la poesía y la crónica con estilo castizo y gran poder evocador en los tipos de la bohemia madrileña que tuvo en él su cantor más destacado. Gozó de gran popularidad en su momento.
Emilio Carrere Moreno nació en Madrid el 18 de diciembre de 1881 y falleció en la misma ciudad el 30 de abril de 1947. Hijo de madre soltera, su madre Eloísa Carrere Moreno falleció al mes de nacer. Su padre Senén Canido Pardo, un famoso abogado y político, transcurrido unos años del nacimiento, quiso hacerse cargo del niño, pero él prefirió quedarse con su abuela materna que vivía muy pobremente.
Desde muy pronto se dedicó al periodismo y a la literatura. Asistió a numerosas tertulias. Fue cronista oficial de Madrid. En su obra poética retrató preferentemente con tonos desgarrados y con desplantes de poeta maldito los ambientes bohemios y el mundo de los bajos fondos madrileños, desde el hampa hasta el de las “musas del arroyo”. También, en la línea escapista del Modernismo, evocó algunas veces acontecimientos y figuras del pasado. Exaltador de un Madrid hampón de bohemios, tahúres y prostitutas, se aplicó con apostólico empeño a apologizar las pretendida pureza que hay en el mundo de los suburbios madrileños, todo ello adobado con los tópicos decadentistas.
Publicó los libros de poemas: Románticas (1902), El caballero de la muerte (1909), Del amor, del dolor y del misterio (1915), Dietario sentimental (1916), Nocturnos de otoño (1920), así como la antología La corte de los poetas, subtitulada “Florilegio de rimas modernas”, y que es la primera recopilación poética del modernismo hispánico. En 1907 publicó en Los Lunes de El Imparcial el poema “La musa del arroyo” que se hizo muy popular.
Carrere es autor, además, de una vasta producción en prosa, en la que destacan sus novelas: La cofradía de la pirueta (1912), Los ojos de la diablesa y La tristeza del burdel (1913), El reloj del amor y de la muerte (1915), Elvira la espiritual (1916), Rosas de meretrecio (1917), Las sirenas de la lujuria (1924) y La calavera de Atahualpa (1925). En su novela La torre de los siete jorobados (1924) mezcla los elementos policíacos, humorísticos y fantásticos. Este misterioso folletín tiene interés como una de las primeras manifestaciones de la novela policíaca en España. Y como dijo el cantor de la bohemia madrileña: “Por los sin ventura que nunca tuvieron / la llave de oro de la inspiración; / por los que no triunfan, por los que murieron... / Por vosotros quiero decir mi oración”.
Francisco Arias Solis
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